Archives de catégorie : En cours

Inciter à jouer les détectives 



Statue acéphale et fragmentaire d’Artémis chasseresse-
Œuvre gréco-romaine, copie d’un original hellénistique.
Provenance : Péloponnèse
Collection Nani, Venise. Achat, 1841 inv. E 39 – Musée Lapidaire.

par Jérémy DAVILA, EsaA.


L’idée est de proposer au public un exercice ludique de déduction à partir d’une documentation sur la déesse Artémis et ses caractéristiques physiques quant à ses représentations dans l’art gréco-romain, dans le but de reconstituer la statue à son état originel comme elle aurait pu être représentée. Plusieurs choix de remplacement des membres manquants à la statue s’offriront au public, en parallèle aux indices fournis par les descriptions de représentations diverses et variées de la déesse. La reconstitution pourra alors se faire sous forme d’esquisse, à partir de données trouvées. Par ailleurs, certains éléments peuvent induire en erreur, car les aspects propres à une divinité peuvent s’apparenter à ceux d’une autre. Il sera donc primordial qu’une documentation rigoureuse soit effectuée afin de ne pas métamorphoser la déesse.

Quand le bug permet de relier des temps.

Par Théo FARRUGIA, EsaA

© Musée Lapidaire

 

Ce projet à pour objectif de relater une façon d’établir un lien avec le passé, en utilisant un medium et des procédés modernes.

Projet:

Exploitation  d’une erreur numérique polluant la représentation d’une statue antique, et insérée dans un espace virtuel, dénué de tout repères temporels.

Réinterpréter, interpréter de nouveau ou de manière nouvelle un objet par l’esthétisation d’un phénoméne expérimental survenu après manipulation d’appareils électroniques, corruption de codes, ou de données.

L’éternel retour, Friedrich Nietzsche, le Gai Savoir.

 

 

© Théo Farrugia

 

“La simultanéité ou succession ne tomberait pas elle-même sous la perception, si la représentation du temps ne lui servait à priori de fondement. Ce n’est que sous cette supposition que l’on peut se représenter qu’une chose existe en même temps qu’une autre (simultanément) ou dans des temps différents (successivement).”

-Emmanuel Kant, le temps.

(reproduction des images avec l’aimable autorisation du musée Lapidaire)

Stèle funéraire et légende du Dieu Khonsou; un journal

par Eline DALMOLIN, EsaA

Lundi  13/05/2019

Comment combler le large fossé entre une époque lointaine et la nôtre, que le temps et les évolutions culturelles ont creusé ?

MATINÉE, RECHERCHES,

  • Musée, objet,  et muséographie archéologiques,

Museum Requien, musée histoire naturelle, Fondation Calvet, http://www.museum-requien.org/

Musée Calvet, musée des beaux-arts et d’archéologie d’Avignon, http://www.musee-calvet.org/

Musée Départemental Arles antique, http://www.arles-antique.cg13.fr/mdaa_cg13/root/index.htm

Musée Archéologique de l’Hôtel Dieu, http://www.musee-archeologique.org/

© Musée Archéologique de l’Hotel Dieu à Cavaillon
© Musée Arles Antique à Arles
© Musée Requien à Avignon

 

 

 

 

 

  • Objet archéologique et exposition,
  • Restauration et archéologie,

Les objets archéologiques sont parfois fragiles. Ils peuvent avoir subi des altérations importantes durant leur enfouissement, mais aussi se dégrader après leur exhumation.

Les traitements de conservation – restauration préservent leur intégrité physique et facilitent leur compréhension au cours des études auxquelles ils sont soumis et dans l‘objectif de leur présentation au public dans des expositions. http://archeologie.yvelines.fr/spip.php?article174

Le conservateur-restaurateur d’objets archéologiques et d’objets d’art intervient sur des objets dont la nature peut être très variée et peut faire intervenir plusieurs spécialités :

-la céramique : terre cuite, faïence, grès, porcelaine…

– le verre : cristal, vitrail, émail…

– le métal : alliages de cuivre, fer, or, argent, plomb…

– voire les matériaux organiques.

Pour les objets archéologiques, il s’agit avant tout de lutter contre la dégradation qui peut s’accélérer après l’exhumation des objets lors des fouilles archéologiques.

Les métaux sont particulièrement sensibles à ce changement d’environnement (reprise de la corrosion). Des traitements de stabilisation, menés au plus tôt après la découverte de l’objet, permettent de limiter ces altérations. Cette étape assure une conservation sur le long terme permettant l’étude (typologique, technologique…) de ces objets. Une restauration pour la présentation au public est alors envisageable.

https://www.ffcr.fr/les-specialites/18-les-specialites/95-specialite-objets-archeologiques

 

Plusieurs civilisations sont représentées : La Grèce et la Grande-Grèce (Italie du Sud), Rome, la Gaule romaine et paléochrétienne et une sélection d’antiquités égyptiennes.

Des œuvres monumentales – relief votifs, sculptures en ronde bosse, stèles funéraires et inscriptions, sarcophages – et des objets de la vie quotidienne (vases  à figures rouges, terres cuites) sont exposés.

Le musée Lapidaire se situe depuis 1933 dans la chapelle du collège des Jésuites construite au XVIIe siècle au cœur d’Avignon. Ce superbe exemple d’architecture baroque a été édifiée par Etienne Martelange puis par François de Royers de la Valfenière (1575-1667).

https://fr.wikipedia.org/wiki/%C3%89tienne_Martellange

https://fr.wikipedia.org/wiki/Fran%C3%A7ois_de_Royers_de_La_Valfeni%C3%A8re

 

  • Références

Les projets “Modern Stone” et  “Man-Made” – studio de design – 2012

Stéphanie Langard – “Tapis” – 2014

Fauteuil Capitello – Studio 65 – 1971

Pictogrammes sportifs des Jeux Olympiques d’hiver de Lillehammer Sarah Rozenbaum – 1994

APRÈS-MIDI, INTRODUCTION WORKSHOP,

Mercredi après-midi, Arles.

Qu’est-ce que nous avons compris du sujet annoncé dans le mail ?

relier – organiser –  réactiver – réunir – réinsérer – correspondre – renseigner – prolongement- production – idées

Réactiver ses œuvres avec des médiums d’aujourd’hui est un moyen d’actualiser ses pièces et de les relier avec notre société.

Il ne s’agit pas d’un enjeu caché. Quel est le but ?

Marc a voulu préserver le cadre, il n’a pas utilisé de mot connoté tel que restauration ou création. Faire dialoguer, implique pas de modification avec l’objet choisi, alors que le mot réactiver fait penser forcément à une interaction avec celui-ci.

Idée de prolongement, temporel, sens épistémique (chaque époque à ses moyens de connaissances), civilisationnel, culturel. L’utilisation du “ou”, nous permet de nous laisser le champ ouvert, afin de laisser au maximum libre. Unité de production.

Seul contrainte = dernier paragraphe dans la fiche PJ dans le mail de Marc.

à l’aune de : “à la mesure deou encoreen considération de“. On peut la rapprocher d‘une idée de datation.

Ne pas voir l’objet pour ce qu’il est en soi, mais renoncer à un rapport esthétique, ne pas s’arrêter à son physique. Privilégier l’impact et ce qu’il provoque chez le spectateur.

Pourquoi le mot “activation” ? implémentation.

(cf; Nelson Goodman – Manière de faire des mondes)

Dans ce livre, il répond aux critiques et incompréhension qu’on a pu lui transmettre, selon lui les oeuvres doivent fonctionner comme des machines.

Implémenter : synonyme d’activation pour Goodman. Pour d’autres cela fait parti du rôle de l’artiste.

L’artiste doit le mettre en action. Mais c’est au spectateur d’activer. Duchamps disait que c’est au spectateur d’activer le tableau.

Conception fonctionnaliste de l’oeuvre d’art. Produire un prolongement de l’objet qui fonctionne pour le spectateur, il ne doit pas être uniquement artistique mais efficace. Nous devenons des spectateurs pour penser pour des spectateurs, nous devons essayer de rejeter tout ce qui nous lie avec cet objet.

  • Mardi matin, RDV musée Lapidaire à 10h. Travail seul ou en binôme.

Tenir carnet de Workshop, notes, croquis…

L’idée à la fin ce n’est pas d’avoir un projet réalisable mais au moins une production, des idées, il faut que ça reste ambitieux. NE PAS SE PRENDRE LA TÊTE AVEC CETTE HISTOIRE DE RESULTATS.

Indistinction entre design et oeuvre d’art à Luma ?

Espace immaculé, s’effacer derrière les oeuvres. Jeu sur des présupposé. Qu’est-ce qui trouble ou ce qui fait la démonstration différente que d’habitude.

Comment exposer l’archéologie ? Immersion, exposition.

Eco-musée

 

Mardi 14/05/2019

MATINÉE, VISITE DU MUSÉE LAPIDAIRE.

Ce matin avant d’aller voir le Musée Lapidaire, avec Léontine et Lucie nous sommes allé prendre notre petit déjeuner à Marie Blachère, ensuite, j’ai pré-sélectionné 3 oeuvres d’après leurs aspects physiques en premier et ensuite en ayant lu leurs cartels, Pyramidion de Nes-Min scènes d’offrandes à Osiris, la stèle de Khonsou,  Stèle funéraire anépigraphe d’une jeune fille. En voyant ces statues, une exposition m’est revenue en tête pouvant me servir de références, Francesco Vezzoli, Le Lacrime dei Poeti actuellement à la collection Lambert.

(photo par moi)

APRÈS-MIDI,

Débrief des objets choisis.

Avons nous fait ce choix par rapport à son esthétique ou alors par rapport à l’idée de l’élaboration du projet ?

Pour l’instant je n’ai pas vraiment d’idée de projet, mais des idées de médiums.

Jeux de société ? Livre pour enfant ? Technologiques ? Educatifs ? Ludiques ? Les trois ? Pour des enfants ? Des passionnés d’histoire ? Des gens horrifiés par l’archéologie ? Limite futuriste ? Hologramme ?

Trop de questionnements fusionnent dans ma tête, mes pensées et idées se confondent. Ces objets choisis sont-ils vraiment ceux dont je vais réellement me servir ?

“Le but du workshop est de travailler le coeur de l’idée.” – HAMID MAGHRAOUI

DESCRIPTION DE MES OBJETS :

Pyramidion de Nes-Min scènes d’offrandes à Osiris :  Nouvel Empire, provenance probable Abydos. Calcaire.

Les inscriptions au dessus de cette petite pyramide sont des discours tenus par Osiris Khentymentyou grand dieu d’Abydos, par l’Osiris, le prêtre-imy-is. Ainsi vient le texte de 9 lignes, “offrande funéraire à Osiris-khentymentyou. La pyramide est d’apparence très usées, jaunie par le temps certainement. Sur le cartel nous avons alors toutes la traduction des textes.

http://bmasson-blogpolitique.over-blog.com/2018/10/l-egypte-au-musee-lapidaire-avignon.html

La Stèle de Khonsou : Nouvel Empire, Calcaire. H. 52,3 cm; l. 31 cm; ép. 7,5 cm.

Cette stèle cintrée a conservé une partie de sa polychromie. Le cintre est orné de deux yeux prophylactiques de part et d’autre d’un signe chen.

“Offrande funéraire à OsirisKhentymentyou, le grand dieu seigneur d’Abydos, Ophoïs seigneur de la nécropole, (afin) qu’il donne des offrandes alimentaires (consistant) en pain, bière, viande de boeuf et de volaille, des vêtements, des vases d’albâtre, toute bonne chose dont un dieu vit…”

http://www.bubastis.be/art/musee/avignon/avignon_a03.html

Stèle funéraire anépigraphe d’une jeune fille : Attique, IVe siècle av. J.-C. Marbre pentélique

Format: H : 49 cm ; H. du relief : 34 cm ; L : 47 cm ; L. du relief : 34,5 cm ; Ep. : 5 cm

Nous pouvons tout d’abord remarquer qu’il manque la base de la stèle, ces deux personnes présentent sur la stèle serait une fillette et sa servante tenant une poupée articulée. La plaque est surmontée par un fronton lisse à acrotères (motif sculpté ou non figurant au dessus des angles du fronton) faîtiers et latéraux. Deux piliers d’ante à chapiteau simplifié délimitent la représentation.

IDÉES DE PROJETS :

  • Le livre pour enfant, pages à tirer ? Interactivité, apportant de l’intérêt à la lecture.
  • Faire un lien entre les stèles/tablettes et les tablettes numériques.
  • Applications, ludique et éducative, (quizz ?) en lien direct avec le musée Lapidaire, permettant de mieux le connaître, connaître l’histoire entourant ses oeuvres…
  • Faire des hologrammes des oeuvres afin que si un problème se passe, vol, catastrophe naturelle etc… Les oeuvres restent disponibles et à la portée de tous.
  • Faire des objets design s’inspirant de ses objets.

Mercredi 15/05/2019

MATINÉE, DIALOGUE AVEC LE GROUPE,

J’ai finalement discuté de mon projet avec Marc Maire, ce qui m’a déjà beaucoup éclairci, j’ai aussi écouté les projets des autres. Une matinée de partage et de dialogue autour du workshop nous permettant de comprendre encore mieux le projet.

Quel est notre rapport au musée ?

Allez vous plus souvent au cinéma ou au musée ?

Sachez que la majeure partie des gens préfèrent aller au cinéma plutôt qu’au musée, en vérité, je vais pas trop chez l’un ni chez l’autre, même si ces 6 derniers mois je suis plus allée au musée qu’au cinéma.

Notre problématique est donc : Comment faire en sorte que les musées soient plus attractifs ?

Audioguide → on perd le côté humain.

L’interactivité, le divertissement accroît l’intérêt que les gens portent aux visites.

Bruno Latour – Pluralité des mondes

Interprétations diffèrent en fonction des valeurs, des religions…

Livre avec des languettes à tirer → utiliser les modalités publicitaires ??

Le but de ce sujet en Muséoscopie est de ramener plus de jeunesse, de personnes, de famille, de pluralité sociale en somme dans les musées ainsi de rendre les visites et/ou les oeuvres plus ludiques.

Cependant j’ai toujours beaucoup de questionnement par rapport à mon projet.

Livre avec illustration pour enfant ?

Livre éducatif destiné plutôt pour les adolescents/adultes ?

Serait-il consacré au musée lapidaire ou uniquement sur la stèle de Khonsou ?

Croquis en cours…

APRÈS-MIDI, VISITE LUMA, (ARLES)

Le parc des ateliers Luma Arles était un ancien atelier de chemin de fer, l’occupation de ce site remonte aux premières années du développement du rail en France dans les années 1840.

On peut en faire un lien avec le sujet du workshop, car ces anciens ateliers sont situés en face de la nouvelle architecture de Frank Gehry, créant alors un prolongement architectural.

© Frank Gehry, Luma Arles
© Atelier chemin de fer, Luma Arles
 
Visite  à la Luma de l’exposition 

A School of Schools, apprendre par le design

Une exposition constituée d’installations expérimentales qui explorent et revisitent les grands principes de l’éducation. …

Comment le design contribue à la didactique ?

Barbara Blanc nous explique qu’ici elle fait l’état des lieux en tout ce qui concerne les oeuvres, elle en profite alors pour nous présenter l’exposition.

Ici certaines productions n’ont pas le statut d’oeuvre.

Pour aujourd’hui je n’ai pas pris tant de notes que ça, car à Luma j’ai préféré profiter de l’instant et de la visite plutôt que de prendre des photos et des notes.

 

(photo par moi)

Cette exposition collait parfaitement avec le sujet, cité précédemment, en somme “Comment faire en sorte que les musées soient plus divertissant ?” Les médiums utilisés étaient très variés, de la technologie à la moisissure, ils faisaient en sorte que les spectateurs devenaient acteurs. Intrigués et curieux, nous n’osons pas forcément toucher aux oeuvres car nous n’avons pas l’habitude, bien souvent les modalités des musées/expositions sont de rester en silence, observé, et réfléchir. Pourtant lorsque nous entendons “design” nous ne pensons pas tous forcément à ces types de productions mais plutôt à du design de produits, architecturaux voire même de communication.

Jeudi 16/05/2019

MATINÉE, VISITE MUSÉE D’ART SACRÉ, (PONT-SAINT-ESPRIT)

Parti de l’école à 9h, arrivé à Pont-Saint-Esprit à 10h, heure d’ouverture du musée.

Lors de la visite de ce musée nous étions surpris mais ravis d’avoir vu la veste de Johnny Hallyday ainsi qu’un maillot dédicacé par l’équipe de France, gagnante lors de la coupe du Monde 2018.

Je parle surtout de ces deux artefacts car ils sont bien opposés sémantiquement parlant avec le reste de l’exposition parlant beaucoup de reliques et d’oeuvres sacrés au sens religieux.

Seulement ces deux objets sont tout autant sacré que ces reliques pour certaines personnes éprouvant un fanatisme incroyable pour ces personnes-ci.

APRÈS-MIDI, MISE EN COMMUN,

Les médiums artistiques ne sont pas les seuls à contribuer au prolongement il y a aussi les moyens muséographiques.

Partage de mon projet avec Marc Maire, éclaircissement au sujet de mon livre et de la correspondance avec le prolongement avec notre époque.

RÉDACTION DE MON PROJET

Livre Pop-Up.

Au plus la taille du livre est grande, au plus nous pouvons y placer des détails.

Histoire et informations sur le Dieu égyptien Khonsou.

Dans la mythologie égyptienne, Khonsou est le Dieu de la Lune.

À l’origine divinité lunaire dont le nom signifiait « le voyageur » et qui luttait contre les forces des ténèbres aux côtés du pharaon, il fut ensuite introduit en tant que fils du dieu Amon et de la déesse Mout comme un dieu de juste vengeance.

Dans ce livre j’aurai pu parler uniquement de l’histoire de la stèle funéraire cependant le contenu du livre aurait été faible ainsi  que le prolongement jusqu’à notre ère. Il m’a alors fallu creuser et me renseigner encore plus sur la façon de “prolonger”, de “relier” et de “renouveler”.

Après mes recherches sur le Dieu Khonsou qui elle aussi n’était pas très concluante je me suis décidé de récupérer les informations essentielles sur ce personnage mythologique et sur la stèle funéraire pour en faire un récit fictif, en faisant un “mélange” entre le Dieu de la Lune et les super-héros d’aujourd’hui en soit Marvel, DC comics (qui sont eux-même inspirés de la mythologie, le super-héro Thor par exemple est repris de la mythologie nordique étant le Dieu du Tonnerre).

Dans la mythologie égyptienne Khonsou aurait le pouvoir de déclencher les maladies mais aussi d’éloigner les mauvais génies qui en étaient responsables.

Maintenant, en me mettant à la place du visiteur je me demande..

  • Ai-je le droit de toucher ? (Comment je dois faire savoir aux visiteurs qu’ils peuvent accéder au livre ?) Cartel qui interpelle vocalement à l’aide d’un dispositif d’un détecteur de mouvement ?
  • Quel est le type de personnes venant au musée Lapidaire, à qui le livre doit-il d’adresser ? Des enfants, des adolescents, des adultes, des personnes âgées ?

Faisant un prolongement avec les super-héros, le récit devrait par lui même viser les enfants/adolescents.

En fonction de la réponse à cette question j’aurai pu choisir un style de dessin particulier, pour ce cas-ci je vais faire le choix de faire des illustrations de bande-dessiné car il s’agit d’un style qui parle à tout le monde.

Je suis noyée sous ses innombrables questionnements dont je ne pourrais pour l’instant répondre suite à la petite semaine qui nous est permise pour réaliser ce projet.

Récit court imaginé issu de la légende.

Sous le règne de Ramsès II, Bentrech, fille du roi de Bakhtan, mariée au pharaon, tomba un jour gravement malade. Son père affolé fit appel aux plus grands médecins de la ville et de la région. Aucun d’entre-eux ne parvient alors de mettre un terme à ce terrible sort. Il décida de contacter un magicien, il lui avoua que sa fille était possédée par un démon malfaiteur, pour y remédier, le magicien décida d’envoyer une statue du Dieu Khonsou, chasseur de démon errant, la plaçant au chevet de sa fille. Le Dieu s’éveilla et sorta de la statue lui servant de camouflage, faisant abattre alors sa colère sur le mauvais esprit, celui-ci reconnut la suprématie de Khonsou, ne voulant pas quitter le corps de la jeune femme il essaya de feindre le Dieu en l’accueillant par ces mots “soit le bienvenu en paix, grand dieu qui écarte les esprits malins. Bakhtan est ta ville, ses habitants et moi-même sommes tes serviteurs”, mais cela ne suffisait pas pour passer à travers les mailles de Khonsou. Durant le combat entre ces deux hommes, les habitants de la ville de Bakhtan encouragèrent le Dieu en lui faisant offrandes en son temple en réunissant leurs forces. L’esprit fût alors vaincu. Le roi fier de la redoutable statue qu’on lui a prêté, il devient égoïste et décida de la garder auprès de lui. Cependant une nuit alors qu’il dormait il vit Khonsou fuyant sous la forme d’un faucon d’or qui s’éleva ensuite dans le ciel en direction de l’Egypte. Le roi de Bakhtan s’éveilla et pris d’une certaine anxiété il fit mander le prêtre de Khonsou qui lui expliqua que la statue qu’il gardait depuis plus de trois ans et neuf mois devait revenir sur sa terre d’Egypte. Alors le roi renvoya la statue dans son pays natal après l’avoir comblée de présents.

Ce projet nous a permis de relever la problématique de l’intérêt que les gens portent sur les visites des musées, ainsi que de trouver un prolongement et une solution de divertissement ayant pour but d’attirer le monde. Espérons que ces projets non aboutis pourront être réalisable dans le futur.

La Tarasque de Noves: prolongement géographique et temporel

par Manon RAYNAUD et Yonghan CHOÏ, EsaA

©http://www.net-provence.com

L’objet que nous avons choisi s’appelle la « Tarasque de Noves » par assimilation avec le monstre tué par Sainte Marthe. Cette statue est faite de calcaire coquillier et nous savons qu’à l’origine elle était peinte car des restes de couche picturale ont été retrouvés au niveau de la bouche. Assise sur son piédestal, elle trône au cœur sur musée Lapidaire. Elle tient dans sa gueule le bras droit et le pied gauche de sa victime, ses griffes sont encore sorties. De ses lourdes pâtes antérieures, elle écrase deux têtes d’hommes barbus aux yeux clos tels des masques. Il s’agit d’un animal hybride, tenant à la fois du loup et du lion. Cette œuvre fut source de nombreux questionnements, notamment quant à sa date de création, on sait aujourd’hui qu’elle fut réalisée entre 50 av JC et les premières années de notre ère. La Tarasque de Noves fait écho à des croyances et des valeurs funéraires celtes. La créature fantastique engloutissant un être humain renvoie à la mort qui est le passage vers une autre forme de vie, elle, symbolisée par le sexe dressé de l’animal. Les deux têtes masculines symbolisent les ancêtres qui évoquent la succession des générations qui passe par la mémoire, le souvenir des anciens, protecteurs des vivants.

©musée Lapidaire

Autre Tarasque Très célèbre, celle de Tarascon. Elle est née au bord du Rhône, dans une grotte aquatique située sous le château de Tarascon. Elle dévorait les hommes, et détruisait tout sur son passage avec sa solide queue, elle semait la terreur et le chao. On l’associait aux débordements du fleuve. Selon la Légende Dorée de Jacques de Voragine, Sainte Marthe aurait vaincu la tarasque. Elle serait venue de Judée pour annoncer la Bonne Nouvelle en Provence où elle apprit l’existence du monstre. Elle alla à sa rencontre et le soumis en lui passant sa ceinture autour du cou pour le ramener à Tarascon où il sera tué par la foule. Une fête est dédiée à la victoire de Sainte Marthe vers la Pentecôte et le 29 Juillet le jour de la fête de la Sainte.

 

Vers 300 av JC en Chine, lors de la dynastie Zhou, on retrouve un animal hybride ressemblant à la Tarasque de Noves. Il se nomme « Genbu », « Tortue noir du nord » ou encore « Guerrier noir ». Cette créature fantastique fait partie de l’un des quatre animaux totem du zodiaque chinois. Elle représente le Nord, l’hiver et l’eau, le Nord symbolisant la mort associée à la couleur noire.  Elle est souvent représentée comme une tortue autour de laquelle s’enroule un serpent. C’est une créature à double sexe, le serpent représentant le mâle et la tortue la femelle. Cela fait écho au mythe selon lequel les mâles sont souvent impuissants ce qui amène les femelles à se reproduire avec des serpents. La symbolique que cela implique est contradictoire car cette représentation évoque à la fois le sacré, car la tortue porte l’univers sur son dos, et l’immoralité. De plus, cet animal est également affublé d’une symbolique guerrière, le dos de la tortue symbolisant la défense et les dents du serpent l’attaque.  

 

 

©https://namu.wiki/

 

 

 

 

©www.provence-pays-arles.com

 

Ces mythes ont inspiré de nombreux auteurs qui les ont revisités tout en conservant l’idée de monstre hybride. Guilio s’est inspiré de la tarasque pour sa bande dessinée « L’auberge de la Tarasque » et Yu Yu Hakusho de la Tortue noire pour son manga « Genbu the stone turtle ».

©https://www.bedetheque.com/
©www.mangaeden.com

 

(Reproduction des images avec l’aimable autorisation du musée Lapidiare)

Manon Raynaud et Yonghan Choi

Jupiter ou Taranis ?

statue de jupiter, musée Lapidaire
© Musée Lapidaire

par Coline PASSIS, EsaA

OBJET

Statue de Jupiter en équipement militaire tenant la roue de la main droite ; à sa gauche un aigle et un serpent

Œuvre gallo-romaine d’époque impériale

 

La divinité est représentée en pieds, mais la tête de la statue a été brisé e au niveau du cou et a disparu. Elle porte un équipement militaire romain datant de l’époque impériale, accompagné d’une cape.

La roue est un attribut du dieu gaulois Taranis. Sa signification n’est pas certaine et il existe plusieurs hypothèses : elle peut être le symbole de la roue solaire, de la roue cosmique (le ciel des étoiles tournant autour de l’axe polaire), ou encore celle du char du tonnerre, ce qui est le plus probable.

L’aigle est un animal qui est souvent attribué aux dieux du ciel (dont Jupiter et Taranis) qui sont pour la plupart également dieux des dieux. L’aigle représente alors la majesté, la puissance.

Taranis est souvent représenté accompagné d’animaux dont le serpent, qui lui serait un antagoniste.

Le dieu Jupiter, ou Taranis, est également associé aux pratiques divinatoires liées à l’interprétation des signes célestes (vol des oiseaux, éclairs…)

 

PROJET

L’objectif du projet est d’inscrire l’objet dans notre époque en imaginant un prolongement. Ainsi, il peut répondre à différents enjeux (culturels, temporels, épistémiques…) correspondant à son époque d’origine ou/et à l’époque actuelle.

La divinité représentée par la statue est nommée comme étant Jupiter, cependant d’après les attributs qu’elle porte, on pourrait tout aussi bien la définir comme une autre divinité du ciel, issue de la mythologie celtique gauloise : Taranis.

De plus, dans toutes les mythologies, il existe une entité qui représente le ciel, le tonnerre et la foudre, qui est le maître des dieux. Ainsi, cette entité unique a plusieurs personnalités et parfois même se dédouble.

Pour prolonger cet objet, il s’agit de sélectionner les visages des représentations de ces différentes divinités dans les films du 21e siècle et de les faire défiler à la place de la tête de la statue. Le choix de prendre les personnages de films s’explique par la multiplicité des interprétations et la diversité des acteurs choisis pour incarner une même entité/idée.

Pour faire défiler les visages, il est possible d’utiliser un écran et de passer les images en diaporama. Ces dernières doivent toutes faire la même taille, et être proportionnelles à la statue, puisqu’elles remplacent sa tête. Il n’est pas nécessaire de créer une cohérence de couleurs entre les images car ces différences accentuent l’idée de diversité des représentations.

visages de différents acteurs
©

(reproduction des images avec l’aimable autorisation du musée Lapidaire)

Monde[s] pluriel[s ]

par Marylin MORVILLIERS  et Solène RESTOY, EsaA

Projet 1

Nous sommes parties de l’idée de la “pluralité des mondes”, des idées, des histoires et des histoires de l’art. Nous voudrions faire apparaître l’idée que les mondes quels qu’ils soient sont multiples (pour ne pas dire indénombrables) et que nos connaissances se limitent à une toute petite partie de cette multiplicité. En se plaçant en tant que spectateur, nous avons imaginé un ensemble d’objets concentrés formant des sphères qui constitueraient dans leur vision globale un globe. Les sphères seraient constituées d’une multitude d’objets en tout genre témoignant de l’ensemble des mondes. Au niveau de la scénographie, l’idée serait de plonger le spectateur dans une salle immense et sombre, placer l’ensemble des objets au milieu de la pièce. Le but étant de diffuser un sentiment de petitesse et impressionnant face à un complexe qui nous dépasse à première vue.

Projet 2

Nous sommes parties de l’idée de la pluralité des mondes, des idées, des histoires et des histoires de l’art. Nous voudrions faire apparaître l’idée que les mondes quels qu’ils soient sont multiples (pour ne pas dire indénombrables) et que nos connaissances se limitent à une toute petite partie de cette multiplicité. En se plaçant en tant que spectateur, nous avons imaginé un ensemble d’objets appartenant à tous les mondes lévitant autour d’un cœur magnétique. Les objets seraient en attraction autour d’un point représentant ce qu’il pourrait y avoir en commun entre chaque monde. Les objets soumis à l’attraction pourraient bouger mais pas tomber ce qui imagerait le fait que rien n’est stable, la connaissance toujours en évolution et que rien ne peut être tenu pour acquis. Au niveau de la scénographie, l’idée serait de plonger le spectateur dans une salle immense et sombre, placer l’ensemble des objets au milieu de la pièce. Le but étant de diffuser un sentiment de petitesse et impression face à un complexe qui nous dépasse à première vue.

 

 

Boîte à fards subjective

par Nina CASSERAT, EsaA

Objet sélectionné : LEKANÈ À FIGURES ROUGES (boîte à fards à couvercle)

© Musée Lapidaire à Avignon – Collection Archéologique du Musée Calvet

DESCRIPTION DE L’OBJET

Hauteur : 14 cm

Largeur : 16 cm

Provenance : Italie du Sud, Apulie, vers 320-315 avant JC, peintre du Saccos blanc

Coupe constituée d’une vasque à deux anses et d’un couvercle surmonté d’un bouton de préhension.

Décor végétal avec d’un côté, un génie ailé assis, paré de bijoux, tenant une corbeille de la main gauche et de l’autre, une situle (vase rituel en forme de seau, typique des scènes dionysiaques). Sur l’autre face se trouve une tête féminine de profil.

Les deux personnages portent un cécryphale (bande de tissu enserrant la chevelure).

 

PROJET

Après plusieurs idées avancées, la plus propice au concept de prolongement est de créer une animation en stop motion, c’est-à-dire, image par image, qui montrerait la boîte à fards. Celle-ci serait sur un fond blanc uni puis elle exécuterait des actions : elle s’ouvrirait, les pigments viendraient dans le lekanè, seraient broyés, etc, sans que les mains ou le corps d’une quelconque personne viennent perturber le processus d’élaboration, afin d’assurer l’idée de neutralité et d’universalité.

C’est le principe de la caméra subjective, où l’on propose au regardeur d’adopter le regard d’un des personnages de l’action. Ici, ce serait comme si le regardeur se faisait maquiller, comme s’il recevait de la poudre sur le visage, il aurait la sensation de recevoir la poudre, sauf qu’en réalité, c’est l’objectif de la caméra qui se fait maquiller. L’écran serait donc recouvert d’un film translucide de poudre blanche puis viendrait se rajouter deux traits de khôl pour les yeux et les joues seraient rougies.

Mais, il se peut que l’action de se démaquiller (au lieu de maquiller) soit plus pertinente. Le principe serait donc de montrer le processus inversé/retourné/mis en reverse, mais toujours en caméra subjective, ainsi le regardeur se ferait démaquiller en faisant disparaitre les traits de khôl, les joues rougies et le fard de poudre blanche. Serait ensuite évoquée la préparation (inversée) du fard blanc avec le broyage des pigments, les pigments en morceaux et pour finir sur le lekanè, soit l’objet sélectionné au musée Lapidaire d’Avignon.

Cela dépeindrait la fonctionnalité de la boîte durant la période de la Grèce classique mais aussi la symbolique du maquillage par le fait justement de se démaquiller et d’apparaître au naturel. La nuance se trouve dans l’action de se démaquiller et non de se maquiller. Ce prolongement inclurait également le regardeur par le biais de la caméra subjective, qui est un type de prises de vues actuelles au cinéma et qui permet l’immersion.

Au sein de la société actuelle, les femmes (mais pas que !) se maquillent tous les matins, ces gestes sont devenus un réflexe, une habitude, une norme pour se cacher, cacher ses défauts, ses imperfections même si, somme toute, ces femmes sont embellies.

Sur le plan de la muséographie du musée Lapidaire, la mise en place de ce projet pourrait s’apparenter à un QR code placé en guise de cartel et que le regardeur flasherait afin de voir l’animation. Ou alors un écran pourrait être placé à côté de la vitrine suivant les dimensions d’un cartel, pour rester dans les « normes, règles » établies par l’espace muséal.

Ce projet a choisi de traiter comme prolongement la fonctionnalité et l’usage du lekanè afin de l’insérer dans un procédé technique actuel de vidéo. Il suffira maintenant de mettre en place la forme de ce projet au sein même du musée.

 

(Reproduction des images avec l’aimable autorisation du musée Lapidaire)

 

 

Une poupée archéologique à l’épreuve de la muséoscopie

par Lucie MONTY-BRUNEL

Comment combler le large fossé entre une époque lointaine et
la nôtre, que le temps et les évolutions 
culturelles ont creusé ?
 

PRESENTATION DE L’OBJET :      

 Poupée articulée de terre cuite

 Grèce Attique, époque classique, lV e siècle av. J.C (?)

 Provenance Athènes

 Don Chaix, 1847

©monty-brunel lucie

Cette poupée articulée est une poupée réalisée à partir de terre cuite, et a cela de particulier que toutes les parties qui la composait n’ont pas été retrouvées. Seule la tête, le tronc, le haut des cuisses ainsi qu’une jambe déliée du corps ont été conservés.

La poupée est présentée isolée, dans une case de couleur rouge, le tronc debout et la jambe couchée devant.

PRESENTATION DU PROJET :

Beaucoup de figurines antiques à l’apparence humaine ont été retrouvées par les archéologues, mais toutes ne sont pas des poupées.  Pour répondre à cette appellation, il faut que l’objet soit de taille telle, qu’il puisse être manipulé par les enfants, soit environ 15 cm.

« L’enfant anime son jouet, joue à le croire vivant et lui fait prendre certaines positions, s’amuse à le coucher, à le faire manger, à l’habiller, ou à lui faire jouer des rôles sociaux. (…) les poupées attiques vont prendre du modelé, seront fabriquées en deux moules, et le mode de fixation des jambes va tendre à devenir le moins voyant possible, la partie mobile pénétrant dans la cuisse creuse, plus large, et munie d’un fil (…) l’essentiel du travail de sculpture réside dans le visage et la coiffure, laquelle nous permet des datations assez fines car elles répètent les coiffures mises à la mode par les impératrices et diffusées par les monnaies et les statues officielles sur les formes”. (cf Jouer dans l’Antiquité).

Ces poupées, destinées à être manipulées par des enfants, représentaient avant tout des corps de femmes, formés et sophistiqués. On peut imaginer que ces corps étaient très certainement représentatifs des critères de beauté féminins de l’époque. Ainsi, le lien avec la poupée Barbie, emblématique de notre époque semble évident.                  

La Barbie est une poupée plastique d’environ 29 cm commercialisée depuis 1959 et originaire des Etats-Unis .                                                            Simple jouet à l’origine, la poupée Barbie est devenue mythique et vraie icône. La première Barbie commercialisée représente une vision idéalisée du corps de la femme occidentale, corps svelte, mensurations dignes des modèles de magazines, chevelure blond platine et maquillage à outrance. Ce n’est qu’autour des années 70 que le type ethnique de la poupée Barbie se diversifie. En 2016 face à l’accélération de la chute des ventes, Mattel (producteur de la poupée Barbie) va lancer trois nouvelles silhouettes de Barbie aux côtés de la poupée traditionnelle. L’une d’elles, baptisée en anglais «curvy » ( arrondie) propose une poupée Barbie aux formes plus généreuses.

 

Le projet serait donc de confronter visuellement la poupée articulée du musée lapidaire à la Barbie.                                                                                      La relation était en effet évidente, mais la question qui se posait réellement était de savoir comment les confronter ? Par quels moyens ?

 

J’ai d’abord pensé à la réalisation d’une Barbie en terre cuite, mais cela aurait caché le plastique de la poupée Barbie, qu’il me semble essentiel de conserver car il est un fort indicateur de l’évolution esthétique et matériel et, élément central de la production de notre époque.

L’idée de rajouter à la poupée articulée ses membres manquants, en les remplaçants par ceux d’une poupée Barbie est venue ensuite. Cela aurait permis de créer  un contraste de matière, mais le tronc de la poupée  Barbie que je souhaite conserver à tout prix dans le projet, aurait disparu.

J’ai finalement décidé de présenter la poupée Barbie de la même façon que la poupée articulée, c’est-à-dire de ne lui laisser que le tronc, la tête, et une jambe détachée de son corps. Une manière de conserver l’aspect plastique de la Barbie, ainsi que son tronc et son visage, significatifs des critères esthétiques que représente la poupée Barbie.      

 

Bibliographie :

Jouer dans l’Antiquité, Roland May, Agnes Durand, Gisèle Pierini, Annie Tarin.

Edition Réunion des Musées Nationaux, Musées de Marseille, 1992.